En su tercer álbum, la compositora y diseñadora sonora holandesa-italiana afincada en Berlín Aimée Portioli, alias Grand River, se pregunta qué fuerzas pueden estar impulsándonos, seduciéndonos y afectándonos. «All Above» se basa en su filosofía personal como artista, difuminando los límites entre la música electrónica y la acústica y esculpiendo formas ambientales familiares en temas personales pintados con ricos colores emocionales. El álbum, escrito minuciosamente a lo largo de los dos últimos años, es el conjunto de música más ambicioso y divergente que Portioli ha reunido hasta la fecha, con una amplia variedad de instrumentación (voces, cuerdas, órganos, guitarras y sintetizadores) en torno al piano. Portioli asegura a los oyentes que, aunque no siempre se oiga ese instrumento, está constantemente en el primer plano del álbum, guiando sus emociones y anclando su estado de ánimo. Por eso tiene sentido que en el tema de apertura, «Quasicristallo», el piano acústico sea el primer elemento que escuchamos, grabado de cerca, para que su característico traqueteo y crujido hablen tan alto como los propios tonos familiares. Cuando la música florece en abstracción y electrónica procesada, es casi imperceptible: la reverberación muta en estelas de vapor fantasmales, y la distorsión convierte las teclas en otro instrumento por completo.

«All Above» sigue al aclamado “Blink A Few Times To Clear Your Eyes” de 2020 y a “Pineapple” de 2018, publicado en el sello Spazio Disponibile de Donato Dozzy y Neel. Habiendo cosechado elogios de medios como Resident Advisor, XLR8R, The Quietus, Inverted Audio y The Verge, Portioli opera en un espacio único dentro de la escena de la música electrónica, a caballo entre el mundo del arte y la escena más amplia de la música electrónica. Ha desarrollado instalaciones de arte sonoro para La Galleria Nazionale de Roma y para Il Pianeta, relacionado con el Festival Terraforma, y ha actuado en Barbican, MUTEK, Le Guess Who?, Kraftwerk y otras salas y festivales de renombre internacional, colaborando a menudo con Marco Ciceri en presentaciones audiovisuales. Ciceri también mantiene la identidad visual del sello de Portioli, One Instrument, un sello conceptual que pide a los artistas que creen música utilizando un único dispositivo. Toda esta experiencia se vuelca en «All Above», un álbum ricamente visual que es mucho más que una imaginaria partitura cinematográfica. En «Human», su piano puntúa una rítmica línea de bajo sintetizada y unos coros emborronados que no pueden evitar trazar la gran pantalla. La compositora aclara que no piensa en su música (ni en el sonido en general) en términos visuales.

Portioli estudió lingüística y utilizó su arte para desarrollar un lenguaje emocional que no está sujeto a las limitaciones culturales esperadas. Cuando añade un instrumento o proceso diferente, no lo hace para hacer referencia a una señal visual, sino para marcar un viaje a través de diferentes estados del ser. Cada elemento encarna una emoción o un estado de ánimo diferente: la guitarra eléctrica representa la fuerza o la violencia, los sintetizadores nos transportan al mundo de los sueños y los instrumentos acústicos destacan la intimidad y la calidez, incluso el corazón. Leídos así, los temas parecen poemas meditativos más que viñetas cinematográficas: «The World At Number XX» se centra aparentemente en un arpegio de sintetizador, pero los pads cósmicos a lo Klaus Schulze, la guitarra estrangulada y los evocadores tonos de órgano apuntan a la psicodelia abierta y literaria de los setenta; «In The Present As The Future», por su parte, es un soplo y una ráfaga de viento que yuxtapone frases rítmicas urgentes con ligeras ráfagas de armonía aflautadas.

Dedicado al fundador de Editions Mego, Peter Rehberg, fallecido repentinamente en julio de 2021, «All Above» exige compromiso y se niega a evaporarse en un segundo plano. El álbum pide a los oyentes no sólo que absorban el disco en su conjunto, sino que se fijen en las grietas de la estructura y disciernan la tensión que provocan. Esto es más evidente que nunca en el tema de cierre «Cost What It May», una pieza musical casi chirriante cuando Portioli se lanza a ruidosas ondas de guitarra eléctrica. En las manos equivocadas, esto podría sonar como un movimiento de poder, una postura rockera que sirviera de colofón. Pero la expresión de Portioli es diferente. Está forzando un nivel de compromiso que percibe el espacio negativo tan necesario como el positivo saturado, y ¿qué podría ser más inquietante y emocionalmente resonante que eso?